Kategorie: Kulturelle Beiträge

Schönheits-OPs sind in der Musikwelt sehr verbreitet. Viele Sängerinnen und Musikerinnen unterziehen sich verschiedenen kosmetischen Eingriffen, um ihren Fans zu gefallen und jünger auszusehen. In diesem Beitrag geht es um drei Sängerinnen, die ihren Erfolg unter anderem ihrer großen Oberweite zu verdanken haben.

Cardi B

Die US-amerikanische Rapperin Cardi B veröffentlichte 2018 ihr Studioalbum Invasion of Privacy und landete auf dem ersten Platz der Charts. Sie war unter anderem auf verschiedenen deutschen Festivals zu sehen und spielte in Internationalen Filmen und Serien. Die Musikerin sprach 2017 erstmals öffentlich über ihre Schönheits-OPs und gab zu, sowohl ihren Busen als auch ihren Po vergrößern lassen zu haben.

Auch bei normalen Frauen aus der Mittelschicht sind Brustimplantate längst keine Besonderheit mehr. Immer mehr deutsche Frauen, die mit ihrer Brustgröße unzufrieden sind, entscheiden sich dazu, ihr Aussehen zu optimieren. Die meisten Patientinnen nutzen die hochwertigen Implantate von Motiva, die auch von vielen Chirurgen empfohlen werden. Interessentinnen finden bei https://motiva.health/de/ detaillierte Angaben über verschiedene Motiva-Produkte, die als sehr natürlich und zuverlässig gelten. Motiva ist ein Implantathersteller, der vor allem auf Sicherheit, Innovation und gutes Aussehen setzt. Die Mehrheit aller Frauen, die sich Motiva-Implantate einsetzen lassen, haben nur positive Erfahrungen zu berichten. Dazu ghört auch, dass man über die Motiva-Webseite einen Chirurgen kontaktieren und ein Beratungsgespräch führen kann. Motiva gibt auf alle Implantate eine umfangreiche Garantie und bietet seinen Kundinnen eine professionelle Beratung. Auf der Webseite des Herstellers finden sich sowohl zahlreiche Kundenerfahrungen sowie Vorher-Nachher-Galerien, die für viele Frauen interessant sein können.

Gwen Stefani

Gwen Stefani war schon immer für ihr stylisches Aussehen und ihre einzigartige Stimme bekannt. Sie gewann mit ihrer Band No Doubt einige Preise und veröffentlichte fünf Studioalben. Die talentierte Künstlerin versuchte sich auch als Schauspielerin und Fashiondesignerin. Bis heute ist nicht wirklich bekannt, wie viele Körperteile Gwen Stefani optimieren ließ. Obwohl sie Schönheitseingriffe öffentlich nie zugegeben hat, sprechen Fotos eine eindeutige Sprache. Fans gehen davon aus, dass die einundfünfzigjährige US-Amerikanerin zumindest für ihren Busen und ihre Nase unterm Messer lag. Während Gwen Stefani in zahlreichen Musikvideos geradezu eine flache Brust hat, sieht ihr Busen heute um einiges runder aus.

Christina Aguilera

Christina Aguilera ist eine der bekanntesten Pop-Sängerinnen aller Zeiten und verkaufte allein in den USA knapp 20 Millionen Alben. Zu den bekanntesten Liedern der Musikerin gehören unter anderem Lady Marmalade, Dirrty und Genie in a Bottle. Die Künstlerin hat sich auch als Produzentin und Schauspielerin versucht und ist in Filmen wie Burlesque und Pitch Perfect 2 zu sehen. Gerüchten zufolge wurden die Brustimplantate bei Christina Aguilera durch die Achseln eingesetzt, weil sie keine Narben auf ihren Brüsten haben wollte.

Die Rolle der Musik und ihre enorme spirituelle Kraft sind schwer zu überschätzen. Musik ist die Manifestierung der Kultur. In der Antike und im Mittelalter war Musik Teil eines Ritus oder einer Theateraufführung. Ohne Einbeziehung visueller Eindrücke wurde sie nicht wahrgenommen. Die Trennung der Musik von anderen Kunstformen begann in der Renaissance mit Entstehung der Oper und Instrumentalmusik.

Musik und Architektur

Goethe bezeichnete die Architektur als die erstarrte Musik. Saint-Saëns nannte Musik eine plastische Kunst. Musik verbindet die Emotionalität mit nahezu sichtbarer plastischer Struktur. Dies zeigen die Werke von Johann Sebastian Bach, die von der Barockarchitektur beeinflusst wurden. Viele große Komponisten wurden von architektonischen Strukturen inspiriert.

Musik und Literatur

Musik und Poesie waren ursprünglich untrennbar. Spätere Literaturwerke hatten eine komplexere Zusammensetzung, was die Musikformen beeinflusste. Der Aufbau eines Musikstücks ähnelt einem Roman – mit einer spannenden Handlung und starken Gefühlen. Literarische Figuren wie Orpheus, Prometheus, Faust, Don Giovanni und Salome nahmen ihren bedeutenden Platz in der Musik ein.

Musik und Malerei

Musik ist eine Kunst, die man nicht nur hören, sondern auch sehen kann. Dazu benötigen Sie keine übernatürlichen Kräfte, Magie oder Phantasie. Alles, was Sie brauchen, ist ein wunderschöner Bilderrahmen (ein goldener passt am besten), in den Sie die Noten Ihrer Lieblingssongs einlegen und an die Bilderwand hängen. So ergänzen Sie Ihre Bildergalerie mit dokumentierten musikalischen Meisterwerken, verleihen Ihrem Wohnraum eine besondere Note und beeindrucken Ihre Gäste. Musik ist ja ein wunderschönes Gemälde im Bilderrahmen anderer Künste.

Filmmusik

Musik und Kino haben eine besondere Beziehung. Viele Komponisten haben sich im Kino einen Namen gemacht. Brillante Melodien und Evergreens, die erstmals in Kino aufgeführt wurden, bekamen ihr eigenes Leben und werden immer wieder gespielt, selbst wenn der Film in Vergessenheit gerät.

Musik ist Ausdruck menschlicher Gefühle, Gedanken und Charaktere. Dies verbindet Musik mit anderen Kunstformen. Gute Musik verbessert Menschen, bereichert ihre Kultur, entwickelt einen anspruchsvollen künstlerischen Geschmack und fördert persönliche und spirituelle Entwicklung.

Musik und Kunst sind nahezu untrennbar miteinander verbunden. Beide Genres verlangen Kreativität und Künstler sind im Besonderen fantasiebegabt. So sind etwa Werke von Künstlern wie Van Gogh, Picasso oder Rubens noch heute gefragt und von hohem Wert. Auch können sich Musiker an Fotografien orientieren und Maler, Fotografen oder Bildhauer an der Musik. Beide Unterrichtsfächer können sich voneinander inspirieren lassen.

Musik und Kunst in der Schule

Fächer wie Musik und Kunst sind bereits schon in der Schule ein Muss und das nicht ohne Grund. Denn beide Unterrichtsfächer fördern wichtige Fähigkeiten. Während Fächer wie Mathematik oder Deutsch die volle Konzentration fordern, bringen Musik und Kunst Spaß und Kinder können sich spielerisch entfalten. Zudem ist das Lernen in beiden Fächern ziemlich entspannend und so können sich Schulkinder den anderen Schulfächern wieder besser widmen. Was bedeutet, dass speziell Musik wichtige Fähigkeiten fördert. Noch effektiver ist es, wenn nicht nur gesungen wird, sondern auch Instrumente zum Einsatz kommen. Studien haben bewiesen, dass Schüler, die in den Fächern Kunst und Musik gute Ergebnisse erzielen, auch gute Fortschritte beim Rechnen, Schreiben oder Lesen verzeichnen können. Musik und etwa Zeichnen fördern Konzentration, Ausdauer und Lernbereitschaft. Kinder können sich überall mit Musik beschäftigen, auch in der Freizeit oder im Urlaub. Hierbei hilft beispielsweise ein leistungsstarkes imac refurbished, mit dem sich Eltern und Kinder mit Musik und anderen kreativen Dingen befassen können.

Maler und Musiker

Musiker und Maler sind beide Schöpfer und haben sich schon seit jeher gegenseitig respektiert. So war etwa der Maler Paul Klee ein großer Bewunderer von Johann Sebastian Bach und Wolfgang Amadeus Mozart. Zudem war Paul Klee ein begabter Geigenspieler und kannte sich in beiden Künsten aus.

Auch in der heutigen Zeit finden wir Kombinationen aus Musik und Kunst wie etwa Udo Lindenberg, der sich der Musik sowie der Malerei verschrieben hat und eine erfolgreiche Ausstellung in Hamburg betreibt. Sein Stil ist ebenso wie seine Musik: expressionistisch und surreal.

Auch der Gitarrist der Rolling Stones, Ron Wood, nahm Unterricht an einer Kunstschule und Werke von ihm kosten heute schon mal bis zu 800.000 Euro. Etliche seiner Werke stellen Musikerkollegen, Familienmitglieder und auch Selbstporträts dar. Ron Wood widmet sich bereits seit seiner Kindheit der bildenden Kunst. Als Jugendlicher gewann der Künstler etliche Malwettbewerbe. Ron Wood zeigt sich auch heute auf vielen Gebieten künstlerisch begabt wie etwa mit dem Design von handbemalten Uhren für den britischen Uhrenhersteller Bremont.

Auch der Beatles-Gitarrist und -Sänger Paul McCartney ist ein malender Musiker, der aber erst im Alter von 41 Jahren den Mut für die Leinwand aufbrachte. Er hielt seine Gemälde jedoch noch lange Zeit unter Verschluss und präsentierte seine Arbeiten erst mit 56 Jahren der Kunstwelt.

Fazit

Kunst und Musik bieten eine gute Möglichkeit, sich kreativ auszuleben, egal ob mit der Stimme, einem Instrument oder einem Pinsel – oder einer Kombination daraus.

Die Bundesrepublik Deutschland hat ein Kulturinstitut, das sie weltweit vertritt: das Goethe-Institut. Das Institut tut sehr viel sowohl für Musik als auch für Kunst und unterstützt so den interkulturellen Austausch auf internationaler Ebene.

Profilierung deutscher Musik

Das Goethe-Institut unternimmt beispielsweise Bemühungen, dem deutschen Musikleben ein Profil zu geben und den Austausch zwischen in- und ausländischen Musikerinnen und Musikern zu fördern. Dies ermöglicht es, indem es jährlich rund 1.000 Projekte für Profis, Laien und den Nachwuchs im Ausland konzipiert und durchführt. So kommen Symposien, Workshops und Meisterkurse zustande, aber auch Konzerte und Tourneen. Die Genres, in denen gearbeitet wird, umfassen ein breites Spektrum deutscher Musik. Dieses reicht von Alter zu Neuer Musik, dazwischen liegen Klassik, Jazz, Rock und Pop, aber auch Electronica und Klangkunst.

Auseinandersetzung mit deutscher Kunst

Das Goethe-Institut wirft auch ein Auge auf die deutsche zeitgenössische Kunst. Es unterstützt Projekte, die sich damit auseinandersetzen. Die Goethe-Institute im Ausland haben hier die Federführung und ermöglichen es, die Kunstszene in Deutschland kennenzulernen. Sie initiieren persönliche Begegnungen zwischen Künstlern und Künstlerinnen im In- und Ausland sowie Diskurse zum Thema Kunst. Auch geht es darum, Gruppen- und Einzelausstellungen vorzubereiten und umzusetzen. Dies geschieht unter anderem in den Bereichen Fotografie und Medienkunst, Malerei und Grafik sowie Architektur und Skulptur.

Viele Kunstformen werden meist getrennt voneinander wahrgenommen und bewertet. Für die meisten Menschen ist es erwiesen, dass ein Künstler entweder das Talent besitzt, virtuos ein Instrument zu spielen, von Natur aus eine atemberaubende Stimme hat, oder dank großartiger Körperbeherrschung ein begnadeter Tänzer ist, malen oder bildhauern kann oder aufgrund angeborener Fähigkeiten ein besonders guter Schauspieler ist. Dass die meisten Kunstrichtungen miteinander verbunden sind, kommt den meisten Menschen nicht in den Sinn. Doch sieht man genauer in die Biografien berühmter Künstlerinnen und Künstler, kann man erkennen, dass diese Menschen oftmals mehrere unterschiedliche Talente besitzen.

Eines der berühmtesten Beispiele sind die legendären Popstars Madonna und Michael Jackson. Beide gelten nicht nur als eine einzigartige Sängerin beziehungsweise ein einzigartiger Sänger, sondern sie sind auch sehr gute Tänzerinnen und Tänzer. Schaut man sich die Musikvideos dieser Stars an, dann sieht man, dass die Performances dieser beiden verdeutlichen, dass auch schauspielerisches Talent vorhanden ist.

Neue aufstrebende Stars wie Abra oder Sevdaliza und Banks sind nicht nur hervorragende Sängerinnen. Sie produzieren und schreiben meistens ihre Lieder selber und sind auch talentierte Lyrikerinnen oder Malerinnen. So verwundert es nicht, dass die künstlerischen Produkte dieser Damen in Zukunft auch bei Desenio als Wandbilder erhältlich sein werden. Doch auch europäische Sänger, die malen und singen können, finden sich zuhauf.

Die Verbindung zwischen Malen und Musik

Wo wir dann schon beim Thema wären: Es gibt Stars, die kennt und schätzt man für ihre Musik und die einprägsame Stimme. Oder für das Talent, zeitlose Songs zu schreiben. Aber die wenigsten unter uns wissen, dass einige der Künstler, die nur mit ihrer Musik in Verbindung gebracht werden, auch wirklich gute Maler sind. Einer von denen ist Bono, der Leadsänger der Rockband U2. Denn neben seinen musikalischen Fähigkeiten ist Bono auch ein wirklich guter Zeichner und Maler. Dieses Talent ist so viel Geld wert, dass sein Werk aus dem Jahre 2003 mit den Namen „Peter und der Wolf“ für 280.000 Euro versteigert wurde. Eine andere Ikone der Popmusik, die malt, ist Paul McCartney. Seine expressionistischen Kunstwerke sind mindestens genauso einzigartig wie seine musikalischen Beiträge als Sänger und Songwriter bei den Beatles oder in seinen späteren Bands beziehungsweise als Solokünstler. Doch auch seine Solowerke sind bei Kritikern hoch geschätzt. Nun ist Paul McCartney nicht der einzige Künstler bei den Beatles. Auch Ringo Starr hat sich aufgrund seiner Kunstwerke einen Namen gemacht und verkauft diese für sehr viel Geld. Und wer hätte bei Ron Wood gedacht, dass er, bevor er Gitarrist bei den Rolling Stones wurde, eine Kunsthochschule besucht hat. Bei Sammlern genießen seine Gemälde einen sehr guten Ruf, da sie ambitioniert sind und besonders. Und Kenner zahlen bis zu 80.000 Euro für seine großartigen Bilder. All diese Beispiele zeigen, dass die wenigsten Künstler nur ein Talent besitzen.

Heutzutage hat man als aufmerksamer Hörer eher den Eindruck, dass die Musik, insbesondere die populäre Musik, sehr viel oberflächlicher ist, als es vielleicht in den 60ern, 70ern, 80ern und 90ern des vergangenen Jahrhunderts der Fall war. Unvergessen sind die gesellschaftlichen und politischen Beiträge zur Popkultur von Sängern, Sängerinnen und Bands wie Elvis Presley, Dusty Springfield, Aretha Franklin, Prince, Madonna, Nirvana und anderen Künstlerinnen und Künstlern. Schließlich lag der letzte Weltkrieg nicht allzu weit zurück, was aufgrund der inhumanen Art und Weise, wie der Krieg geführt wurde, viele apolitischen Menschen politisierte. Auch mithilfe der 68er-Bewegung und der sexuellen Revolution begannen die Gesellschaften weltweit an, sich grundlegend zu verändern.

Wer heutzutage Acts mit künstlerischem und politischem Anspruch sucht, hat es deutlich schwerer als früher. Gerade dank des Siegeszuges der elektronischen Musik ab Mitte und Ende der 90er-Jahre wirkt die heutige Musik auf viele Menschen so, als ob der Hedonismus das beherrschende Element bei fast allen Musikproduktionen ist. Des Weiteren wirkt die heutige Musik viel technischer auf die Zuhörer. Stars verkaufen unendlich viele Platten, ohne die Stücke selber zu schreiben oder gar ein Musikinstrument zu beherrschen.

Kunst und Avantgarde

Doch es gibt sie noch, die Künstlerinnen und Künstler der zeitgemäßen Popmusik, die an die guten alten Zeiten erinnern mit ihrer Botschaft. Stars wie FKA Twigsoder M.I.A ist auch die niederländische Sängerin Sevdaliza, deren Wurzeln im Iran liegen, sind ein gutes Beispiel dafür, dass sich zeitgemäße und recht erfolgreiche Musik problemlos mit einer großen Masse an Fans und Erfolg in den internationalen Charts verbinden lässt.

Dabei sind diese Damen sehr politisch und das auf eine sehr subtile Art und Weise. Sevdaliza zum Beispiel ist bekannt und beliebt für ihre mehrdeutigen, komplexen Soundlandschaften, die teilweise schwer zugänglich sind und somit eher an Kunst und Avantgarde erinnern als an seichte Popmusik. Die Stimme von Sevdaliza ist tief und ummantelt den Zuhörer wie eine dunkle und sanfte Nacht. Darüber hinaus versucht die Künstlerin in ihren Videos und Live-Auftritten, ihre Musik mit zeitgemäßen Kunstformen zu vermischen. Bei diesen Kunstwerken handelt es sich meist um postmoderne Installationen, die Kunst und digitale Techniken miteinander verbinden.

Diese künstlerisch anspruchsvollen Ausdrucksformen und Texte werden dann in den sozialen Medien weiter verfolgt, indem die Künstlerin eigene Gedichte zu den Performances und Bildern textet. So entsteht der Eindruck, dass die Sängerin nicht nur die Musik selber produziert, Mitspracherecht an der Gestaltung der Musikvideos hat und die Auftritte selber entwickelt, sondern auch, dass sie wie ihre Kunst selber zur Kunst wird, da der Rezipient nicht mehr unterscheiden kann, wer die reale Sevdaliza ist und wer die Künstlerin. Auch findet man im seichten Musikbusiness ziemlich selten eine Künstlerin, die so talentiert ist, dass sie Herrin ihrer Bilder, Kunstformen, Musik und Videos ist und dabei auch noch lyrisch veranlagt ist.

Es geht auch individuell

Wer bei der Zusammenstellung seiner Playlist Wert darauf legt, dass die Künstler eigene Ideen umsetzen, wird dies wahrscheinlich auch in anderen Lebensbereichen tun. Bei Deine Torte können Sie beispielsweise eine individuelle Geburtstagstorte bestellen und so Ihren Gästen oder dem Geburtstagskind zeigen, worauf es Ihnen persönlich ankommt.

Er ist der größte Rock-’n‘-Roller überhaupt und einer der einflussreichsten Pop-Musiker des 20. Jahrhunderts. Dass man in unserem Zeitalter der Verfilmungen von Lebensgeschichten berühmter Persönlichkeiten irgendwann auch bei Elvis Presley landen würde, war allenfalls eine Frage der Zeit. Nun ist es so weit: Der profilierte Filmemacher Baz Luhrmann hat sich des komplexen Stoffs angenommen. Die Mammut-Herausforderung, dem King of Rock „n“ Roll auf der Leinwand Leben einzuhauchen, hat ein relativ unbekannter Schauspieler übernommen. Verkörpert wird Elvis von Austin Butler.

Ein Neuling spielt den King

Ob der 1991 in Annaheim, Kalifornien geborene US-Schauspieler als Kind und Jugendlicher regelmäßig auf der Seite von Kidsbrandstore gestöbert hat, darüber kann nur spekuliert werden. Fest steht aber, dass Butler kein Neuling in der Filmbranche ist. Er steht seit Mitte der 2000er Jahre vor der Kamera. Er spielte in der Serie „Zoey 101″ ebenso eine durchgehende Rolle wie in „Ruby & the Rockits“, „Life Unexpected“ und „Arrow“. Im Kino sah man ihn mit Filmen wie „Die Noobs – Klein aber gemein“ und Jim Jarmuschs Zombie-Komödie „The Dead Don“t Die“. Eine tragende Rolle hat Butler auch an der Seite von Brad Pitt und Leonardo DiCaprio in Quentin Tarantinos Hollywood-Satire „Once Upon a Time in Hollywood“ bekommen.

Für das Biopic über Elvis Presley, das noch keinen offiziellen Titel hat, konnte sich der 27-Jährige Medienberichten zufolge gegen etliche Hollywood-Stars durchsetzen. Für die anspruchsvolle Rolle sollen unter anderem Ansel Elgort („Baby Driver“), Miles Teller („To Old to Die Young“) und der Musiker und Schauspieler Harry Styles („Dunkirk“) vorgesprochen haben. Am meisten überzeugt war Regisseur Luhrmann aber von Butler. Der hat nicht nur die Aufgabe, einen der schillerndsten Musiker aller Zeiten zu verkörpern, sondern vor der Kamera auch an der Seite von Tom Hanks zu überzeugen. Der zweifache Oscar-Preisträger ist in die Rolle von Elvis“ Manager Colonel Tom Parker geschlüpft.

Mark Anthony „Baz“ Luhrmann dreht die Filmbiographie nach einem Drehbuch, das er zusammen mit Craig Pearce verfasst hat. Der australische Regisseur gehört zu den versiertesten seines Fachs. Er drehte Filme wie den Tanzfilm „Strictly Ballroom – Die gegen alle Regeln tanzen“, die Shakespeare-Adaption „Romeo & Julia“, das Musical „Moulin Rouge“ und das Melodrama „Der große Gatsby“ nach dem gleichnamigen Roman von F. Scott Fitzgerald.

Elvis im Schnellüberblick

Elvis Presley ist mit mehr als einer Milliarde verkauften Tonträgern der erfolgreichste Musiker aller Zeiten. Er gehörte in den 1950er Jahren zu den Mitbegründern des Rock „n“ Roll. In seiner Musik streifte er aber auch Stilrichtungen wie Blues, Country, Gospel und Pop. Am Ende seiner Karriere sah man ihn vornehmlich auf den Bühnen von Las Vegas. Schlagzeilen machte der „King“ auch mit seinem Privatleben. Mit Eskapaden und Drogengeschichten war er immer wieder Mittelpunkt der Boulevard-Blätter. Am 16. August 1977 starb er mit nur 42 Jahren.

Elvis war nicht nur Musiker, sondern auch produktiver Schauspieler. Der Erfolg in diesem Bereich hielt sich jedoch in Grenzen. Er wirkte in mehr als 30 Spielfilmen mit, die oftmals eine Bühne zur Vermarktung seiner Musik waren.

Wenn Musikerinnen oder Musiker ein Bild anschauen, lösen Farben und Formen etwas in ihnen aus. Sie setzen sich hin und beginnen beispielsweise eine atonale Komposition. Andererseits können Künstlerinnen und Künstler sich in ihrem Atelier Musik anhören und währenddessen beispielsweise Acrylfarben auf die Leinwand setzen. Diese Art, kreativ zu sein, ist zurückzuführen auf die synästhetische Wahrnehmung, bei welcher das Sehen, Hören und Empfinden verschmelzen und zu einer anderen Art von Wahrnehmung und Selbstverständnis führen. Diese kann einen kreativen Prozess auslösen.

Spezielle Sinneswahrnehmung

Mit Synästhesie ist gemeint, dass eine Sinneswahrnehmung die andere verursachen kann. Durch das Sehen kommen Menschen zum Hören, was bedeutet, dass sie in Farben und Licht akustische oder musikalische Töne hören und diese in Musik umsetzen können. Umgekehrt können Laute oder Musik als Farb- oder Lichttöne gesehen und in bildende Kunst umgesetzt werden. In diesem Zusammenhang gibt es eine Wechselwirkung zwischen Musik und Kunst, Kunst und Musik. Dabei sind die jeweilige Sinneswahrnehmung und ihr Ergebnis individuell.

Wissenschaftliches Interesse

Heute gehen der synästhetischen Wahrnehmung Interessierte aus verschiedenen Bereichen, auch aus der Wissenschaft, nach. Es gibt mittlerweile eine internationale Bewegung, die sich mit diesem neurobiologischen Phänomen, wie es wissenschaftlich genannt wird, beschäftigt. Hierzulande ist die 2005 gegründete Deutsche Synästhesie-Gesellschaft e. V., DSB, in diesem Sinn aktiv.

Die Geschichte des Menschen und seiner Musik und Kunst ist alt. Sie hat eine Vergangenheit, die Jahrtausende in die Zeiten der Urvölker zurückreicht, und sie hat eine Gegenwart, die in der Massengesellschaft des postindustriellen Zeitalters zu Hause ist. Dass sich über die Zeit hinweg sehr viel verändert hat, versteht sich von selbst, denn von den einstigen Höhlenzeichnungen und Gesängen zu den heutigen Projekten zeitgenössischer Kunst und Musik ist der Weg weit. Auch haben sich mit der Technisierung die Möglichkeiten, musikalische oder künstlerische Werke zu schaffen, grundlegend verändert.

Komplexität

Musik und Kunst spiegeln die Komplexität heutigen Lebens wider. Künstlerinnen und Künstler, Musiker und Musikerinnen suchen nach neuen Wegen des Verstehens und Ausdrucks. Sie differenzieren Töne, Harmonien, Takte und Rhythmen und diversifizieren bis zur Atonalität. Zudem setzen sie dies alles in Variationen zueinander in Bezug. Sie erschaffen auch Farben und Formen sowie die Gestaltung von Raum, Fläche und Objekt auf vielfältige Arten und Weisen neu, sodass Auge und Ohr heute anders wahrnehmen und verstehen können. Sie bedienen sich auch anderer Materialien und Arbeitswerkzeuge.

Zwei Gattungen

Bildende Kunst, oft im alltäglichen Gebrauch auch Kunst genannt, sowie Musik sind neben der darstellenden Kunst und der Literatur zwei von vier heutigen Kunstgattungen des Oberbegriffs Kunst. Während sich als Genres der bildenden Kunst vor allem Malerei und Grafik, Fotografie, Videokunst, Bildhauerei, Architektur, aber auch Kunsthandwerk verstehen lassen, gehören zur Musik die Komposition, Interpretation, Vokal- und Instrumentalmusik. Kunst wird, wenn sie als bildende Kunst verstanden wird, in Ausstellungen oder online präsentiert. Musik bietet sich heute in Konzerten und einer Vielzahl moderner Tonträger an. Hinzu kommt, dass das Internet für beide Gattungen eine internationale Plattform der Präsentation und Auseinandersetzung, aber auch des Verkaufs und Kaufs darstellt. Dabei spielen Film und Video für Werbe- und Vertriebsmöglichkeiten von Kunst und Musik, aber auch zur Bildung eine bedeutende Rolle.

Öffentlichkeit im Kleinen wie im Großen

Die Vervielfältigung ist aus der bildenden Kunst und Musik nicht mehr wegzudenken. So können durch Drucke, Poster und Fotografien die Werke aus den jeweiligen Genres multipliziert und im Internet einer breiten Öffentlichkeit zur Verfügung gestellt werden. Dies folgt zum Teil kommerziellen, zum Teil aber auch sozialen Interessen, sodass Werbung und Bildung vertreten sein können. Fotos von Ausstellungen geben beispielsweise Eindrücke von künstlerischen Werken in Museen oder Galerien irgendwo auf der Erde wieder, und Videos zeigen vollständige Aufführungen aus Konzertsälen weltweit. Auf der anderen Seite können Galerien auf ihren Webseiten im Internet die Fotografien, Grafik, Malerei und Objekte der Kunstschaffenden zum Verkauf anbieten und Orchester, Bands, Solistinnen und Solisten sowie Musikgruppen mit eigenen Homepages ihre Musikvideos zeigen, um beispielsweise zum Verkauf von Alben oder Konzerttickets einzuladen. Musik und Kunst richten sich also heute an eine Öffentlichkeit, die im Freundeskreis oder auch weltweit, im Kleinen wie im Großen, verstanden werden kann.

Man kann Musik der heutigen Zeit als modern, avantgardistisch oder neu bezeichnen – für das Forum Zeitgenössischer Musik Leipzig, FZML, sind die jeweiligen Benennungen kein Problem, denn es vereint diese Strömungen unter dem Begriff zeitgenössische Musik. Dabei geht es dem Verein um Werke und Projekte, die sich in einem Zeitrahmen des 20. und 21. Jahrhunderts bewegen und damit aus Sicht musikalischer Geschichtsschreibung zu verstehen sind.

Ein Mammut-Projekt

Die Aktivitäten des FZML haben sich seit der Gründung im November 1990 nicht nur verändert, sondern auch erweitert und internationalisiert. Was anfangs noch der Förderung von zeitgenössischer Musik in Leipzig und Region diente, hat heute einen anderen Stellenwert und strahlt weltweit aus. Das ursprüngliche Ziel der Vereinsarbeit war, zeitgenössische Musik zu verbreiten und den Dialog über Musik und Kunst zu unterstützen. Aus dem damaligen lokal-regional ausgerichteten Konzept wurden eine von Leipzig aus organisierte einjährige internationale Großveranstaltung und ein Mammut-Projekt: das Festival ‚CAGE100″. Die Uraufführung fand am 17. Oktober 2013 im New Yorker Miller Theatre unter der Leitung von Richard Carrick und mit dem Ensemble ‚Either/Or“ statt. Weitere Projektaufführungen gingen während eines Jahres um die Welt, in über dreißig Länder und auf vier Kontinente.

FZML suchte dabei neue Ansätze und realisierte eine Idee des US-amerikanischen Komponisten und Künstlers John Cage. Er hatte bereits in den 1940er-Jahren während einer Party das Konzept für eine Gemeinschafts-Komposition entworfen. Entsprechend hieß das Projekt des FZML ‚Party Pieces“. 125 der bedeutendsten zeitgenössischen Komponisten und Komponistinnen beteiligten sich an dessen Entstehung. Die Teilnehmenden kamen während des Projektzeitraums nicht nur aus Deutschland und den USA, sondern auch aus Japan, Russland, Polen, Frankreich und Kanada. Sie arbeiteten entweder in Deutschland oder den USA an dieser Gemeinschafts-Komposition.

Arbeit in fünf Takten oder einer Minute

Das FZML stellte vier Dramaturgen, die ein Konzept für die 125 Komponistinnen und Komponisten ausarbeiteten. Da John Cage sich seinerzeit mit Zufallsverfahren beschäftigte, wurde die Reihenfolge, in welcher die Teilnehmenden ihre kompositorische Arbeit aufnahmen, über das chinesische I-Ging-Münzorakel festgelegt. Den Komponisten und Komponistinnen wurde jeweils eine Sequenz von fünf Takten oder einer Minute in Auftrag gegeben, und sie hatten den letzten Takt nach vier Tagen Arbeit an den nächsten oder die nächste zu übergeben. Strukturell ging es bei dieser kollektiven Leistung auch darum, neben der ästhetischen auch eine kulturelle Multi-Perspektivität zu eröffnen.

Die europäische Erstaufführung war am 20. Januar 2016 in Leipzig, und das ‚ensemble work in progress“ spielte unter Leitung von Gerhard Müller-Goldboom. Das Werk wird heute noch als die größte Gemeinschaftskomposition der abendländischen Musikgeschichte bezeichnet.